La construcción de los personajes en IMPAR. Frank, Christian Stamm

foto_Christian Stamm

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FRANK. El eterno retorno. Todo lo sólido se desvanece en el aire. El héroe invertido. El tirano.

Perdido y misterioso, elegante, educado, culto y muy inteligente. Pero todas estas virtudes le hacen ser un hombre de otro mundo, de otro lugar. Incapaz de hacerse valer, con un enorme sentido del compromiso. Es como un héroe clásico, romántico pero invertido por su incapacidad de imponer su masculinidad y de satisfacer a la mujer, y afrontar su destino con dignidad. Lo que le convierte en tirano.

Él buscaba a una Penélope y se enamoró de los cantos de una sirena que terminó rechazándole. Él no lo pudo soportar y se provocó un accidente, quedándose ciego para retenerla para siempre.

Tiene pánico a la soledad, no soporta que Lidia no esté a su lado pero sabe que es incapaz de satisfacerla personalmente y sexualmente. Su impotencia le lleva a explorar otros lugares pero siempre convencido de volver al mismo lugar, al punto de origen, el eterno retorno, ella.

OBJETIVO: es su obsesión que LIDIA sienta el mismo placer que él siente por ella.

 MOTIVACIÓN: haría cualquier cosa para que eso ocurriera incluso la de destruirse asimismo. Pero acaba descubriendo el  placer con SARAH, se enamora de ella.

¿Qué supone para Frank la aparición de SARAH?

FRANK, se excita terriblemente con SARAH pero solo porque la imagina y la siente como si fuera LIDIA, la transforma y la sueña como otra persona. Encuentra en SARAH los caminos del placer que LIDIA le niega pero solo le interesa en cuanto SARAH se puede transformar en LIDIA.

¿Cómo fue su accidente, cómo se lo hizo?

¿Qué siente realmente por LIDIA?

¿Hacia dónde se dirige?

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(Re)pensar la interpretación en teatro y cine a partir de IMPAR.

¿Qué es un actor?, ¿es lo mismo un actor de teatro que de cine? La respuesta a la primera pregunta parece ser destinada a llenar libros y libros sobre el asunto. La segunda puede ser tramposa pero está claro que interpretar en un escenario y hacerlo delante de cámaras es absolutamente diferente.

Escribiré desde mi experiencia y observación, poca o mucha, intensa o dispersa, más que desde la teoría, siempre más justificada como argumento válido.

He  visto como actores en cine han repetido 17 veces una toma por incapacidad propia y han acabado triunfando con respecto aquellos que solo le sirvieron 1 o 2 tomas para mostrar su talento y profesionalidad. El montaje final es lo que tiene, priva al público del conocimiento del proceso y sus conflictos. De primeras es una de las grandes injusticias del cine que por ejemplo en teatro es imposible que ocurra. La crueldad del teatro, su tensión y su “verdad” dependen de lo que ocurre en el riguroso instante. Curiosamente he visto flaquear a actores en el escenario que han tenido un enorme reconocimiento de su fragilidad por parte del público en el instante de la flaqueza. Se produce como la llamada convicción consciente de Meyerhold, no deseada por supuesto, pero capaz de generar catarsis.

Se podría decir que el cine busca constantemente al teatro, lo ha hecho en el pasado a partir de los contenidos producidos por el teatro y la literatura y con el fallido teatro-filmado. Incomprensiblemente aplicar el lenguaje cinematográfico a lo teatral sin más no sirve. Todo aquello que es filmado debe estructurarse desde el lenguaje de lo cinematográfico, la imagen niega la materialidad física de la escena. En cambio el cine busca el efecto de realidad física teatral, a partir de los planos secuencias o de esforzar a los actores a que realicen interpretaciones dignas de lo teatral. Se busca la excelencia de lo cinematográfico a partir de lo teatral, el teatro da prestigio al cine.

Pero lo radicalmente distinto de ambas artes radica en sus ensayos. El actor de teatro se enfrenta a la repetición el de cine a la técnica. La liberación en el teatro llega a partir de una especie de interiorización mecánica que desde la eterna repetición  se convierte y se transforma en algo absolutamente diferente de lo repetido. En el cine, en ocasiones, la técnica salva al actor de su propia interpretación y provoca que por ejemplo la fotografía sea la liberación de su representación.  Aunque hay que decir que el actor de cine, necesita el arte de la mirada. Un primer plano sostenido no es suficiente con una buena fotografía, necesita de algo más, esa intensidad que genere una brecha entre la imagen y el espectador.

Aunque decir que nos encontramos en un momento donde el lenguaje dominante es el del espectáculo y eso homogeniza la interpretación teatral, cinematográfica y televisiva.

El desafío de los actores.

En los ensayos en el teatro, nada se interpone entre el director y el actor. Enfrentarse al actor es complejo, he podido percibir desconfianza, palpar la tensión, cosa absolutamente normal, teniendo en cuenta que  nunca un actor está más desnudo como en el teatro. El director suele tener en la cabeza la idea desde mucho más tiempo atrás que los actores y más si se trata también del autor. Pensar en la obra es pensar en un todo desde hace mucho tiempo. El actor en cambio aparece en un momento diferente pero su presencia acapara el todo. Es decir en teatro el actor es una parte que ocupa el todo. Y los actores lo saben y lo utilizan, es su fuerza y su debilidad al mismo tiempo.  En cine, en cambio, todo es distinto, el directo puede dejar, hasta cierto punto, al actor hacer lo que quiera, que proponga. El control del resultado final es del montaje, en el teatro el director pierde ese control, llega un momento que la obra deja de ser del director para convertirse en propiedad de los actores y el público. Tal vez por esa razón hay directores obsesivos, que están presenten en cada representación, intentando luchar con lo inevitable, que su objeto de creación se les escape.

En este sentido, se han creado dos relatos diferentes. El mito del director tirano, distante, que impone su idea de artista por encima del resto que componen su obra y el director amable, empático, compresivo y cómplice con la fragilidad del actor.

Personalmente, como director, no le pediría nunca al actor la implicación en mis pensamientos, en mi vida, en mi forma de pensar, es un error clásico. Participar en una creación colectiva implica muchas cosas, entre ellas una relación temporal de gran intensidad entre todo el equipo. Por lo general suele estar dominada por la euforia, por una intensidad que envuelve tu vida mientras que dura todo y se instala una necesidad de entrar en los universos propios de cada uno. Naturalmente después de un estreno todo el mundo sabe que aparece un enorme vacío. Si bien es inevitable la euforia en algunos momentos y afrontar los conflictos en otros. Las relaciones deberían ser mas normalizadas y no simulacros de relaciones únicas y diferentes. Ni el director es el tipo más listo de la clase que lo sabe todo, ni los actores son cuerpos que transpiran sensibilidad. Lo he dicho en otras ocasiones, Baudelaire le quito el aura al artista y Walter Benjamin lo acabó de rematar. Así que tal vez sea necesario comprender que la propuesta de Stanislavski se produjo en un momento de final de una época y comienzo de otra de lo más rupturista y que la extraña aplicación de Actors Studio del método dejo hace tiempo de ser la dominante.

La subversión del teatro está en la materialización real, en la narratividad de los cuerpos, de la voz. En el teatro todo se reformula a partir de la tensión con el público, el ambiente, la atmosfera que se crea. En el cine la tensión se trabaja en el montaje y en la forma que adquiere la historia. En el teatro el actor siempre tiene otra oportunidad, tal vez una representación fue un desastre, fue horrible pero puede crecer a partir de lo que no salió bien. En el cine en cambio todo permanece.

Teatro y cine son como dos síntomas diferentes de una misma enfermedad, es el lugar donde el actor, el artista expresa su neurosis o  su psicosis. He visto a actores sufrir en un estreno y en cada representación, el manifiesto de sus neurosis a partir de síntomas del cuerpo, de la angustia, la ira, la insatisfacción, en cambio la representación ha sublimado toda su libido al servicio de un acontecimiento que de repente y sin saber muy bien porque se convierte en una experiencia estética impresionante. Pero que decir sobre los actores y sus neurosis, si uno de los más celebres directores de teatro y también de cine, Bergman, gozaba de un lavabo propio en el teatro para satisfacer los síntomas incontrolables de su obsesión.

Y es que no deberíamos hacer de nuestras obsesiones un método pero tal vez sea imposible crear, hacer arte sin expresar nuestras propias neurosis, histerias y psicosis. Pero recuerden o más bien no olviden, siempre llega un momento que nada es suficiente.

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Bibliotecas como espacio de tránsito no de conocimiento. La biblioteca de Girona.

Hace tiempo que las ciudades se intentan definir por los espacios que producen, para ser más exactos por espacios de consumo por los que las masas puedan circular y puedan experimentar emociones únicas que despierten tus sentimientos hacia lo que consumes. De esta manera nunca pensé que una biblioteca se pudiera convertir o definir más en un lugar para ser transitado donde el libro no es el protagonista.

Desde esta perspectiva se ha creado una biblioteca como un no-lugar. Marc Augé define el no-lugar como algo que se opone a todo cuanto pudiera parecerse a punto identificatorio, relacional e histórico. El plano, el barrio, el límite del pueblo, la plaza pública  con su iglesia, el monumento histórico.[1] El autor clasifica no-lugares, los vestíbulos de los aeropuertos, los cajeros automáticos, las habitaciones de hoteles, las grandes superficies  comerciales…

Tal vez pudiéramos añadir a partir de ahora a las bibliotecas. Porque es curioso pero hace tiempo que en las ciudades dispersas que se han construido en España y por supuesto en Catalunya, es decir aquellas urbanizaciones alejadas de la ciudad que lo prometían todo, los urbanistas aconsejaban crear las bibliotecas en las gasolineras, pues son los espacios de encuentro para jóvenes y no tan jóvenes. Y una gasolinera que es sino el no-lugar por excelencia.

biblio girona

Elperiodico.cat

De estética contenedor, la biblioteca es sobre todo un espacio polivalente y funcional, ausente de carácter y carisma con pretensión de grandeza entre la modernidad líquida de Bauman, aquello que se desvanece por su fragilidad y la hipermodernidad de Lipovestky en cuanto idea de estimulación del consumo. Espacio enorme, sin ventanas al exterior, con una escalera central  que atraviesa todas las plantas y gestiona el tránsito. La sensación es de vivir la experiencia de un centro comercial y efectivamente el usuario, ciudadano, cliente, consumidor se convierte más que nunca en un transeúnte. A lo que hay que añadir que sin ser experto en materiales, el edificio parece un lugar donde los que estén dentro sufrirán un enorme calor en cuanto el sol haga su aparición. Supongo y no dudo que los expertos habrán pensado en ese pequeño detalle de la sostenibilidad, ¿no?

¿Pero cuál es el lugar del libro? ¿Y del conocimiento?  Es ridícula la proporción entre espacio y número de libros en inventario. La inversión está claramente dirigida al edificio no a lo que debería ser su centralidad, su contenido, el libro y yo diría que el conocimiento. Más de 15.5 millones de € por parte del ministerio. 290.505 documents, 7121 m, es la biblioteca mas grande de Catalunya[1].

Para mí el carácter de tránsito continuo impide y niega la intimidad necesaria para relacionarse con la lectura, no hay lugares acogedores, donde se respire la tranquilidad necesaria y se produzca ese aislamiento con el mundo exterior que tanto necesita la relación con el libro.  Todo está pensado para hacer varias cosas a la vez, hay una dispersión de la acción, todo es pura artificialidad y acción efímera y veloz. Como diría Baudrillard no es una biblioteca es un simulacro de biblioteca.

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Diario de Girona.

Eso si estoy absolutamente convencido, que no se tardará en hacer todo tipo de actividades culturales o mejor dicho de consumo de cultura, y más aún en una ciudad que apuesta decididamente en su marketing local como ciudad de festivales. Así que auguro (me puedo equivocar) representaciones teatrales que se dicen al margen, exposiciones, reuniones y actividades de arte contemporáneo, encuentros de artísticos y de lectores, aplicación del 2.0 en el fomento de la lectura…de todo.

Y es que el lugar está adaptado para ir en familia, el mejor target posible. Los pequeños pueden entrar en su espacio descalzo, en un suelo de parquet y pueden hablar o danzar sin molestar a nadie mientras es la hora del cuento y los padres intentan elegir una película de dvd en unas ridículas, por pequeñas e ineficaces, estanterías en las que tienes que abrir esos cajones metálicos que el otro día, estamos hablando de los primeros días de abertura, ya algunos estaban atascados.

p.d Escribo esto como ciudadano y en un intento de reflexionar sobre cómo nos afecta las políticas públicas y sus inversiones en patrimonio cultural, en la transformación de las ciudades y el paso de los ciudadanos a consumidores de no-lugares.  Girona tiene un gran, gran edificio donde se ubicaba la actual biblioteca,  en el centro de la ciudad, carismático diría yo, accesible y central. Pero está, cuanto menos aparcado. En la casa de la cultura di mis últimas clases de nivel C de catalán no hace mucho. En una clase la profesora nos sorprendió sacando aquel enorme aparato que eran las transparencias, recordarán aquel objeto pesado de hierro que proyectaba transparencias, pues bien ese, ese aparato que parece en la prehistoria utilizamos en clase porque no había posibilidad, ni medios de proyectar nada en ordenador. Suerte que el catalán no depende sólo de los medios de los que se disponen. Tal vez se podría decir que estoy siendo demagógico, que una cosa no tiene que ver con la otra. Pero para mí todo tiene una relación, las políticas públicas, la elección de invertir en un lugar o en otro y hacerlo de una manera u otra, nos afecta por completo, además que nos limita en la resistencia o en la posibilidad de alzar la voz, o simplemente en convertirnos en actores del debate.

Le comenté al informador (no me atrevo a llamarlo bibliotecario) sobre lo absurdo de las estanterías de dvds y amablemente me invitó a ponerlo por escrito y depositarlo en la buzón de sugerencias de la entrada.  Estoy convencido que cualquier cosa que pueda mejorar el gusto del consumidor lo tendrán en cuenta.

Sergio Domínguez @sedocamax

Girona

[1] El animal público. M. Delgado.

[1] http://ca.wikipedia.org/wiki/Biblioteca_P%C3%BAblica_Carles_Rahola

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Nota al director

Por Marta Romero y Georgina Asin

Sobrevivir en los márgenes en esta industria es una tarea que requiere mucho más que esfuerzo, implicación o compromiso con un oficio que va más allá del amor incondicional a cualquier arte.

Impar es una muestra de todo esto. Desde la fragilidad y los escasos recursos que se ajustan al verdadero cine low cost, Sergio Domínguez, director de la película y cofundador del colectivo El balcón de la espera, ha llevado a cabo la función más compleja en este tipo de producción: DIRIGIR.

Todo va más allá de tener sensibilidad, un lenguaje propio y una mirada perversa que no juzga sino que muestra. Tener las palabras justas en el momento justo, mantener la serenidad ante las situaciones adversas, controlar el nivel de exigencia y, a su vez transformarlo en motivación son actitudes que demuestran la responsabilidad de Sergio ante cualquier reto artístico.

Más allá de ser un “transmisor de conocimiento”, su constante reflexión, llena de sentido y madurez, provoca e invita al lector o al espectador a tener el mismo nivel de compromiso.

Con Sergio no hay retorno. La profundidad y contraste en sus lecturas te arrastran a la incondicionalidad. Su lucidez perturba a cualquiera y destapa una realidad que asusta, que a veces puede ser rechazada y aún así, Sergio no deja de mostrarla.  A ciegas y con rumbo fijo, sus creaciones se convierten en un obsequio y siempre quieres más.

Y cómo dice él… ¡Seguimos!

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Impar. El rodaje

24h sin descanso y una película por hacer. Estas imágenes muestran algunos de los momentos del rodaje. Un equipo trabajando a contrarreloj y unidos con un objetivo común; IMPAR.

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El equipo de IMPAR, entre el talento, la profesionalidad y la gratitud.

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Actores

Georgina Asin, Sarah. Siempre es difícil escribir sobre quién has escrito tanto ya sea en la ficción como en la realidad. No es que escriba o piense personajes en mis creaciones para Georgina Asin. Es que ella tiene la absoluta capacidad de transformarse, de dar vida a todo aquel personaje que se proponga. Y siempre digo lo mismo, si dudan de mis palabras, les invito a que un disfruten de sus interpretaciones, ya sea en la pantalla, en los escenarios o cantando. Su magnetismo es ineludible, simplemente le pones la cámara y todo es muy fácil.  Además de una enorme capacidad de trabajo y de responsabilidad e implicación con todo lo que hace. En Impar interpreta a Sarah y el reto era transmitir lo máximo posible con los silencios y con la mirada. Mantener la distancia con los otros dos protagonistas y al mismo tiempo crear complicidad y una fuerte atracción que fuera creíble. ¿Creen que es fácil?

Y como su compromiso siempre va más allá, hizo todo tipo de trabajo de producción y aportó grandes ideas al desarrollo de la historia.

http://vimeo.com/georginaasin

Georgina Amat, Lidia. Para mí, fue un descubrimiento y una sorpresa continua. Necesitábamos a una actriz con máxima sensibilidad y con disposición a seguirnos en nuestra inquietante historia. Además los personajes femeninos debían conectar desde un principio, ser complementarios y a la vez opuestos. El personaje de Lidia debía ser frágil por un lado y contundente e inflexible por otro. Era la conexión directa con lo femenino y lo masculino. Desde luego que Georgina Amat era interesante por su baile, por su expresión corporal y su movimiento, pero no es menos sorprendente la potencia de su mirada a cámara. Fue increíble ver como una persona dulce, agradable, sonriente transformó su primer plano en algo absolutamente perturbador. Justo lo que necesitaba Impar.

http://vimeo.com/user6113556

Christian Stamm, Frank. Desde el primer momento que le propusimos a Christian participar en el proyecto, mostró un gran entusiasmo. Su personaje no estaba definido del todo, necesitábamos que cada interpretación tuviera un rasgo dominante y marcado por encima del resto. Sabíamos que grabar en 24 horas nos limitaba mucho a la hora de profundizar en ciertas cosas. Y Christian no sólo asumió el reto sino que además subió la apuesta. Fue él quien aportó la idea de que su personaje fuera ciego. Cuando lo dijo creo que todos sentimos una doble emoción, la primera esa sensación de haber encontrado justo lo que estábamos buscando, esa emoción de la revelación. Pero esa satisfacción vino acompañada con un pequeño escalofrío. Interpretar un personaje ciego con las limitaciones en la producción y en el tiempo que teníamos, era muy arriesgado pues no tendríamos margen al error. Había que ser conciso y preciso, además de creíble, cualquier error de veracidad tendría enormes consecuencias. ¡Qué responsabilidad! Pero ahí tenéis su interpretación, hizo un enorme trabajo, vino al rodaje con una intensidad desbordante, su trabajo estuvo entre una gran responsabilidad y un enorme manejo de la técnica. Ya en el rodaje y en directo todos sentimos escalofríos con su interpretación.

http://www.christianstamm.com/

Marta Romero. Cámara, prólogo. Hacer cine en muchos casos es tener la sensación de que te la juegas sin red. Tener a Marta en tú equipo es sustituir el miedo al vacío con la seguridad de que ella siempre tendrá una solución al problema, a la  angustia que se presente. Lo he dicho en otras ocasiones, Marta escribe con su cámara, no he visto a nadie tener la capacidad que ella tiene para pensar en imágenes. Su mirada siempre va un paso por delante de todos, porque el acto de hablar o el acto de escribir siempre van por detrás del acto de mirar. Además tiene la capacidad de hacer muchas cosas a la vez y hacerlas con un estilo inimitable, elegante e hipnótico. Impar no hubiera sido posible sin Marta Romero, es así de sencillo, así de contundente. Trabaja en la producción, aporta a la historia, nos maravilla con su estético prólogo, no hay nadie que juegue mejor con la imagen, que se deslice por ella como Marta. De nuevo para los incrédulos. Pregunten por ahí y descubrirán que todos quieren trabajar con ella… ¿por qué será?

http://www.martaromerocoll.com/

Raquel Lamelo. Sonido, montaje, créditos. Eran muchas las ganas de trabajar con Raquel. Su profesionalidad y su entrega hicieron que las dificultades que nos encontramos en el rodaje con el sonido se superarán sin problemas. No fue fácil hacer frente al paso continuo de trenes o a un inesperado campeonato playero cuando nosotros estábamos sumergidos en un drama perturbador. Cada idea que aporta, tiene un doble valor, el del sentido común y el de la crítica. Las replicas de Raquel nunca son improvisadas o gratuitas y siempre aparece una mejora en el trabajo al tenerlas en cuentas. Luchamos codo a codo en el montaje. Las limitaciones y dificultades eran más que las habituales. La obsesión era centrarnos en el ritmo, dar coherencia a las improvisaciones, que la historia avanzara, experimentar pero sin excesos, en definitiva el trabajo de montaje más que nunca era lo esencial. Y Raquel consiguió todo eso y más. Uno de los comentarios de un espectador califica IMPAR con una obra de orfebrería, eso s indudablemente así por el trabajo de Raquel.

http://vimeo.com/raquellamelo

Susana Acua. Arte y vestuario. La creatividad y las inquietudes de Susana, son infinitas. Es de esas personas que poseen un universo propio que contagian entusiasmo y que hace cosas que solo puede hacer ella. Además posee una hiperactividad desbordante tan necesaria en largas jornadas de trabajo. Siempre está haciendo alguna cosa, jamás para, cuando todos exhaustos buscan un rincón de desconexión, ella está haciendo pruebas, imaginando alternativas, lo que sea y todo con una eterna sonrisa. Otro valor de Susana, es que puedes estar rodando en un lugar y dejarla a ella trabajar en otro, cuando vuelves tienes la certeza de que todo estará preparado y que todo estará en el lugar que debe estar. Creatividad, inquietud y humanidad. Curioso, características necesarias pero difíciles de encontrar.

Sergi Nogué. Postproducción. Trabajar con Sergi te asegura varias cosas, un incesante trabajo y una disposición absoluta al servicio del proyecto. El audio es el gran olvidado siempre y el más esencial, no hay nada que hacer si tienes un buen material y un mal audio. Era una de nuestras obsesiones, las limitaciones que teníamos no nos podían justificar. La improvisación de los actores aumenta la dificultad. El trabajo de Sergi se centro en pequeñísimos detalles  que no desviaran al espectador de la función principal. Infatigable, el placer de trabajar con Sergi es su flexibilidad, siempre está dispuesto a mejorar algo, a cambiarlo, a descomponerlo si es necesario para el bien del proyecto. Su técnica crece exponencialmente y tengo que reconocer que para mis trabajos se ha erigido como una pieza esencial, a través de un intenso trabajo, silencioso y continuo cuyos resultados son más que excelentes.

Miriam Bou, cámara. Planteamos el rodaje de IMPAR a dos cámaras, esto agilizaría el trabajo y nos permitiría diferentes puntos de vistas. No dudamos que Miriam tenía que estar a nuestro lado. Pareciera que el trabajo de Miriam pase de desapercibido pero nada más lejos de la realidad, ella siempre está ahí y acecha con su cámara, no necesita hablar demasiado pero cuando dice algo simplemente tiene razón, sin más. Persiguió a los personajes, trabajó codo a codo con Marta, sus conocimientos de la fotografía fueron aportaciones más que necesarias. Trabajó incansablemente.

http://miriambou.com/

Minuit de la Croix.  Conocí a Minuit, en un no lugar, la estación de trenes de Barcelona. Escuché su música antes del encuentro y su persona expresa el magnetismo y la heterodoxia de sus creaciones. La música de Minuit es compleja, diversa, global, hipnótica e inquietante. Desde un principio tuvo la capacidad de hacer enormes aportaciones. No he conocido a nadie más conciso y preciso que Minuit, busca la sensación exacta, el momento exacto, el lugar exacto, ni más, ni menos. Lo que le pedía no era fácil, recuerdo aquella película de Haneke, La pianista, cuando habla de Schubert y la locura, ese justo momento crepuscular que separa la luz de la locura. Eso es lo que necesitaba IMPAR y eso es lo que consiguió Minuit, envolver la atmosfera de una inquietud perturbadora, siempre en el límite del ocaso y la barbarie, de la piedad y el horror. Además por supuesto de la necesidad de expresar sensualidad pero desde la frialdad. La música de Minuit mejoró indudablemente a IMPAR.

https://soundcloud.com/minuitdelacroix

 

 

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“Impar” és la mostra que en les relacions humanes, tres poden ser multitud

Per Narcís Mir, periodista. 

La dansa suposa una expressió artística que no només allibera qui l’està executant sinó que l’espectador percep uns sentiments que li arriben a través dels moviments musicats, i així colpeja l’escena inicial del film Impar de Sergio Domínguez. Un ball iniciàtic que ens acompanya al llarg d’una hora per tal de conèixer uns protagonistes esquerdats o més aviat, a punt de trencar-se interiorment.

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Tres persones, tancades en una casa propera a la platja i també situada prop del pas de la via d’un tren. Al igual que la vida interior dels personatges, aquesta casa disposa de la tranquil·litat que ofereix el paisatge de costa amb el nervi i la vida ràpida-sorollosa del pas rutinari del tren.

Impar mostra la interioritat humana de manera brillant, situant la mirada en els punts de vista dels tres protagonistes, tots ells en un moment de canvi personal i transcendental. La ballarina que, a l’espera d’una actuació important dins la seva carrera està a punt de trencar la relació de parella, el noi que ha perdut la vista a conseqüència d’un greu accident i la fotògrafa enamorada que amb la seva càmera retrata més enllà del que podem veure a primer cop d’ull. Tots ells, durant unes hores, units en un camí iniciàtic que no saben cap a on anirà.

Impar suposa un excel·lent exercici cinematogràfic tenint en compte que ha estat rodada en 24 hores i ha comptat amb una part important de text improvisat pels actors. Aquestes eren les bases per participar a la proposta #LittleSecretFilm, que un any més descobreix noves propostes audiovisuals.

Però més enllà d’això, el film Impar demostra que en les relacions humanes tres son multitud, que el trencament d’una parella difícilment pot ser harmònic i que la transcendència vital de la gent pot canviar en poques hores.

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